« Pour aller de l'avant [après une crise], il faut briser le mur. Pour moi, cela s'est produit par la convergence de plusieurs découvertes, souvent accidentelles. L'une d'entre elles, qui s'est avérée d'une grande importance par la suite, était celle d'un court morceau du répertoire grégorien, dont j'ai entendu par hasard quelques secondes chez un disquaire. J'y ai découvert un monde que je ne connaissais pas, un monde sans harmonie, sans métrique, sans timbre, sans instrumentation, sans rien. C'est à ce moment-là que j'ai compris dans quelle direction je devais aller, et un long voyage dans mon inconscient a commencé. »
Tels sont les propos de l’Estonien Arvo Pärt (°1935), l'un des compositeurs contemporains les plus vendus et les plus interprétés. À notre époque de swiping et d'appending, sa musique intemporelle exerce un grand pouvoir d'attraction sur un public de plus en plus large. Et pourtant, la musique d’Arvo Pärt a mis du temps à séduire. Après ses études au Conservatoire de Tallinn, il emprunte la voie de la musique moderniste en composant des œuvres sérielles et expérimentales qui déplaisent au régime soviétique de l’époque. Mais la complexité de cette musique et les règles imposées par le régime entraînent le compositeur dans une crise existentielle. Il se retire de la scène musicale et se plonge dans la musique polyphonique et grégorienne pour revenir une petite dizaine d’années plus tard, au milieu des années 1970, après avoir opéré une véritable renaissance : « La complexité et la multiplicité me déstabilisaient ; j’avais besoin d’une quête d’unité. Qu’est-ce qui est juste, cette unité, et comment me frayer un chemin jusqu’à elle ? » (…) « Les chants grégoriens m’ont révélé un mystère cosmique dissimulé dans la combinaison de deux ou trois notes seulement. »
Le Vlaams Radiokoor effectue au cours de ce programme un voyage spirituel à l'intérieur de soi. Comme des pèlerins, ils cheminent au gré des grands questionnements de la vie, en quête d'acceptation et de réflexion. La musique contemplative d’Arvo Pärt et de quelques autres compositeurs baltes et flamands indique la voie à suivre. Chacun d'entre eux a trouvé l'illumination dans la nature et les traditions de sa région natale, la foi ou l'amour.
Tintinnabuli
Ce nouveau style musical épuré deviendra la marque de fabrique d’Arvo Pärt. Il le baptise « tintinnabuli », en référence aux clochettes que l’on croit entendre dans sa musique. Cette signature musicale s’articule autour de lentes lignes mélodiques, qui s’accélèrent très progressivement, et d’accords à trois notes qui tournent autour de cette mélodie : « Le tintinnabuli est la règle par laquelle la mélodie et l’accompagnement ne font qu’un. Un plus un égal un, et pas deux. Tel est le secret de cette technique. » Une autre force qui se dégage de sa musique réside dans la simplicité des mélodies, des harmonies et des structures. C’est ce qui rend ses compositions facilement compréhensibles, accessibles et épurées. Arvo Pärt compare lui-même sa musique à la lumière blanche, qui contient toutes les autres couleurs. « Seul un prisme peut dissocier toutes ces couleurs et les rendre visibles ; ce prisme pourrait être l’esprit de l’auditeur. »
La simplicité est également de mise dans le traitement des textes. Un principe qu'Arvo Pärt applique de manière très explicite dans la Missa Syllabica de 1977. Le texte liturgique constitue littéralement le fil conducteur de la musique. Comme le suggère le titre, chaque syllabe du texte correspond à une seule note. La hauteur des sons est également déterminée par la longueur des mots, et les rythmes découlent de la structure et de la ponctuation du texte. Le compositeur suit une approche objective à cet égard : « J'ai commencé par coder chaque mot, en veillant par exemple à ce que chaque syllabe finale se pose sur la tonique. [...] J'ai compté le nombre de syllabes, de virgules, de points et d'accents. Un lien puissant peut parfois apparaître inconsciemment avec le sens d'un mot, mais en principe, ce n'est pas primordial. J'essaie de garder une certaine distance par rapport au texte et, idéalement, j'aboutis à une psalmodie tout à fait objective, telle qu'on peut l'entendre à l'église et qui naît d'un seul son. Le son peut ainsi faire office de langage universel. »
Au fil des ans, Arvo Pärt évolue vers une utilisation plus libre de sa technique de tintinnabuli, comme dans le Nunc Dimittis de 2011. Là encore, il s'appuie sur un texte religieux, issu cette fois du Nouveau Testament selon Luc : « Maintenant, Seigneur, tu as réalisé ta promesse : tu peux laisser ton serviteur mourir en paix. »
There’s music along the river
Si la majorité des œuvres vocales d'Arvo Pärt s'inspirent de textes bibliques, tel n'est pas le cas du motet pour alto, violon et contralto Es sang vor langen Jahren. En 1984, le musicologue et producteur de radio allemand Diether de la Motte demande à dix compositeurs de mettre en musique le poème Der Spinnerin Nachtlied de Clemens Brentano (1778-1842). Arvo Pärt traduit le désir de l'amant pour sa bien-aimée par une mélodie langoureuse et berçante. Cette même année, il compose également Ein Wallfahrtslied / Pilgrims' Song en hommage au regretté réalisateur Grigory Kromanov. Le thème central incarne le paradoxe entre notre existence passagère sur terre et l'intemporalité de la vie éternelle. Deux dimensions qui sont exprimées par Arvo Pärt dans le contraste entre la partie dynamique des cordes, construite autour d'une ligne chromatique descendante, et la ligne vocale statique, réduite à une seule hauteur.
Atmospheres de Rudi Tas porte également un regard mélancolique sur l'amour et la fragilité de la vie. Il fonde son œuvre chorale sur le poème Strings in the earth and air de James Joyce : « Le poème commence par une description mélancolique de l'amour, tandis qu'un jeune homme timide et introverti se tient au bord d'une rivière. On entend instantanément la confrontation de deux principes. Le premier est l'idéal de l'économie illimitée de la musique, la conviction que la musique peut et doit être n'importe quoi. Le second est un principe écologique, qui s'attarde sur la finitude de la vie. Les saules évoqués dans le texte symbolisent traditionnellement la mort ; celle-ci s'exprime par le vide et le sentiment dans la deuxième strophe. Le vers ‘L'amour se promène près de la rivière’ exprime l'image de l'amour solitaire. Le contraste entre la nature et la musique se traduit par des motifs colorés tels que des fleurs ‘pâles’ et des feuilles ‘sombres’, qui correspondent à l'harmonie de la musique ou aux différences de couleurs vocales et instrumentales. La troisième strophe est à son tour une projection de l'image poétique de l'harmonie sur terre. »
Traditions populaires et vastes paysages
Comme chez Arvo Pärt, la foi chrétienne joue un rôle majeur dans l'œuvre de Cyrillus Kreek (1889-1962). Ce compositeur estonien vouait en outre un amour particulier à la musique folklorique de son pays natal. Armé d'un phonographe, il collecte à partir de 1911 de nombreuses mélodies et hymnes populaires qu'il compile dans un catalogue de quelque 1 300 compositions, dont plusieurs sont arrangées pour chœur. C'est ainsi qu'entre 1914 et 1944, il travaille à son principal opus, Taaveti Laulud ou Psaumes de David, où se mêlent sa foi profonde et son amour de la musique populaire. Cyrillus Kreek y combine un style d'écriture homophonique majestueux (faisant ainsi référence à la tradition religieuse des chœurs d'Europe de l'Est) avec des mélodies folkloriques. Il opte aussi explicitement pour la langue estonienne en ce qui concerne les paroles.
Privilégiant la simplicité et la qualité naturelle de la voix humaine, la musique de Cyrillus Kreeks a influencé de nombreux compositeurs estoniens, dont Tõnu Kõrvits (1969). Veljo Tormis (1930-2017), un contemporain d’Arvo Pärt, était également l'un des grands exemples de Tõnu Kõrvits. Peegeldused Tasasest Maast ou Reflections from a Plainland est conçu comme un hommage à Veljo Tormis : c'est une fantaisie sur l'un de ses chants choraux. Dans cette composition sobre, le violoncelle tisse les voyelles soutenues du chœur en un tapis sonore chaleureux aux couleurs harmoniques subtiles. Il s'agit d'un voyage dans un paysage de plaine, où résonne ici et là une mélodie folklorique.
Le compositeur letton Ēriks Ešenvalds (Riga, °1977) appartient à cette nouvelle génération de compositeurs qui font revivre la longue tradition chorale des États baltes. Ses œuvres ont été récompensées à plusieurs reprises (il a remporté trois fois le « Latvian Great Music Prize ») et sont interprétées dans le monde entier, des Pays-Bas au Canada. Ayant lui-même chanté pendant de nombreuses années comme ténor dans le chœur d'État de Lettonie, Ēriks Ešenvalds comprend mieux que quiconque ce que signifie écrire pour un chœur. Dans son In Paradisum (traditionnellement la partie de la messe de requiem qui est chantée lorsque les défunts sont emportés), le chœur joue un rôle d'accompagnement. Ce sont les cordes qui sont mises en avant : leurs doux trémolos représentent le battement d'ailes des anges qui conduisent au paradis.
Explications : Aurélie Walschaert
